C22pp9cWQAA2vwg

Aryton Page e i suoi 5 consigli per foto perfette con l’Iphone

Nella sua forma più pura, l’arte astratta è la rappresentazione visiva delle idee teoriche. Con pennello e tela, un artista può facilmente rappresentare tali scintille di ispirazione, ma con la fotografia è diverso. Un’immagine include quasi sempre qualcosa della scena originale. Questo è il motivo per cui Aryton Page, un instagrammer incredibilmente popolare di Honolulu, usa il mondo che lo circonda per creare immagini affascinanti con un’estetica minimalista e astratta imbevuta dei colori tipici delle caramelle. Grazie all’applicazione, ha sviluppato un interesse nel minimalismo e ha scelto questa estetica per il proprio lavoro. Il suo stile è ricco di contrasti, pop e surreali. I suoi cliché diffondono un calore tropicale e offrono una vista unica sul Hawaï, concentrati su colori e sentimenti intensi.

“Qualche anno fa sono entrato nell’estetica minimal via Instagram e ne sono stato ossessionato da allora. Mi piace sperimentare con colori e prospettive. Cerco sempre di vedere le cose quotidiane in un modo diverso e spero di convincere gli altri a fare lo stesso “

Aryton Page

Aryton Page

Le sue fotografie spesso sono caratterizzate da paesaggi e richiami architettonici. Con una sensazione innegabilmente calda, le sue immagini semplici ma robuste sono dosate in tonalità di rosa, pesca e azzurro. Evocando vibrazioni estive, i colori vivaci creano anche un senso di surrealismo.

Mette in evidenza modelli ripetitivi che sembrano continuare per sempre, creando illusioni vertiginose che catturano l’attenzione degli spettatori, trasfigurandoli. Ad esempio, nelle opere di Page, le altissime palme sono in piedi contro un cielo rosa come lo zucchero filato. O tubi concentrici accostati uno contro l’altro per offrire agli spettatori una visione a tunnel, mostrando loro un assaggio del cielo blu perfetto.

Il fotografo ci mostra scene insolite catturate dal suo obiettivo, che giocano con la prospettiva e soggetti banali che  non attirerebbero gli spettatori.

Ora non perdiamoci in chiacchiere, ecco i suoi 5 consigli.

Lo sapevi che a dimostrare la propria gratitudine si diventa il 25% più felici?
Ipotizziamo che ti piaccia l’articolo, cosa ti costa allora fare click sul pulsante +1? 🙂 Potresti rendermi così felice….

 

Aryton Page

Aryton Page

Trovare il mezzo

Come bambino nativo di un’isola, cresciuto alle Hawaii, Page è stato circondato dai colori abbaglianti del Pacifico. Ora ventisette anni, il suo lavoro è pieno di queste tinte semi-tropicali, ma egli attribuisce il suo stile più alle influenze dei suoi genitori. “Ho sempre avuto un interesse inerente la fotografia e l’arte, tanto più perché mio padre aveva sempre dipinto.”

In un primo momento, la fotografia con il telefono era solo un’altra forma di sperimentazione per Page, e le strade intorno a lui servivano come un parco giochi artistico. “L’architettura ha attirato immediatamente la mia attenzione a causa della simmetria e di molte forme che gli edifici creano, a seconda di come li guardi”.

Aryton Page

Aryton Page

Vedere diversamente

A diciotto anni, Page si trasferì a Las Vegas per un cambiare scenari. Naturalmente, c’era molta architettura, ma il suo occhio curioso si rivolse ad altri soggetti. “Ovunque ho guardato, sono rimasto sorpreso da tutta l’architettura interessante . Ma poi mi sono trovato verso il lato di una strada per scattare una foto di un albero o di cactus, e ignorando l’edificio proprio accanto ad esso.” La natura ha cominciato ad apparire più spesso nel suo lavoro, così come altri dettagli che la maggior parte dei fotografi potrebbero perdere.

Page spiega il metodo che ha ormai perfezionato. “Cerco di guardare le cose che vedo ogni giorno in un modo diverso. Scegliere un soggetto e approcciarlo da diverse angolazioni. Questo soggetto può essere un albero, un edificio, un lampione, o qualsiasi cosa che possa attirare la sua attenzione. Il tema scelto è poi incorniciato in modo da escludere le distrazioni.” La luce del sole e un cielo limpido mette tutto il fuoco sul soggetto.

Modificare, non manipolare

I colori esuberanti e le composizioni surrealiste sono il marchio di Page, ma le sue immagini sono per lo più realizzate in camera. “E ‘importante per allineare e comporre la scena in modo che richieda poca o nessuna regolazione quando si tratta di raddrizzamento e ritaglio.” E i colori? “Il mio processo di editing consiste nel modificare innanzitutto la luminosità, la saturazione, il contrasto e le evidenze; poi sperimento la regolazione dei colori e dei toni fino a trovare una combinazione che mi piace.”

Tuffati a capofitto

Il consiglio importante che Page dà ai principianti è, molto semplicemente, scattare foto a qualsiasi cosa: “Uscite e scattate fotografie di soggetti che normalmente non dovrebbero prestare molta attenzione. Puoi ottenere una reazione strana dalle persone perché stai scattando fotografie di un lampione, ma questo fa parte del territorio. Questo processo serve ad imparare che cosa funziona e cosa no.

Meno distrazioni

Su una nota tecnica, indica un importante principio della sua metodologia. “Nella tua composizione cerca di non avere cose che potrebbero ridurre qualsiasi attenzione da ciò che si desidera che le persone vedano … meno contesto fornisci, più lasci all’immaginazione gli spettatori”.

L’immaginazione, dopo tutto, è il nome del gioco.

 

Amiamo la sua visione minimalista color rosa pastello delle Hawaii. Se ti piace, dovresti dare un’occhiata alla serie ad infrarossi di Paolo Pettigiani.

 

Vuoi vedere altre foto di Aryton Page? Clicca qui

 

 

Tutte le immagini sono copyright © di Aryton Page

arytronvibes.com

 

Fonte: culturenlifestyle.com

enlight-app.appspot.com

dcd214f39ad37ee98af92085f1edd7bd

Serge Najjar, il Libano che i media non raccontano

Libano. Una delle terre più martoriate, crocevia di popoli in guerra, incapaci di dialogare, terra in cui la povertà regna. Serge Najjar lo racconta in chiave nuova e differente alle solite immagini a cui siamo abituati.

Quello rappresentato dai suoi scatti è un Libano inaspettato, che difficilmente indovineremmo come tale osservando le sue foto, sulla base delle – poche – immagini del paese alle quali siamo normalmente abituati dai media.

È il lato ludico della fotografia quello che mi piace; si è già parlato abbastanza di guerra e di cose negative, guardiamo al nostro paese con un piccolo sorriso.

Serge Najjar – Escaping Flatland

Serge Najjar non è un fotografo. Nato a Beirut, Serge studia legge e si forma professionalmente come avvocato; è recente il suo avvicinarsi alla fotografia, risale a circa 5 anni fa. Sin dagli inizi il suo fotografare è stato rivolto alla sua terra, col tentativo di raccontarlo fotograficamente in maniera nuova e quasi insolita concentrandosi sulla sua architettura dai toni brutali e, oserei dire, disarmanti in quanto vi è un alternarsi di bellezza e bruttura, di grigio e di colore.

Serge Najjar non è certamente il primo che si avvicina ad un supporto di espressione creativa grazie ai mezzi che la tecnologia rende diffusamente disponibili. Va ribadito che non tutti sono capaci di utilizzare questi strumenti con la stessa intelligenza e gli stessi risultati, affidandosi ad un’idea chiara e comunicativa.

Lavora sullo scatto da realizzare in modo che ci sia sempre una presenza umana, come a voler dare vita, animo e speranza in un posto che sembra non averne più e non vedere un orizzonte di possibilità future. Spesso sono dei bambini o ragazzini ad essere immortalati; che sia casuale? Da sempre rappresentano il futuro, la bellezza e da loro si trae la forza e il desiderio di andare avanti, di dare il proprio contributo per una vita migliore.

Serge Najjar - Zebra façade

Serge Najjar – Zebra façade

Seppur il suo fotografare è frutto di un percorso da autodidatta, è evidente un’armonia compositiva che racchiude in sè elementi non solo prettamente tecnici ma anche emozionali, in cui si evince anche una conoscenza dell’arte moderna e della sua risonanza nella società comune.

Serge ha una passione quasi ossessiva per l’architettura riportata nel dettaglio, in cui il focus sono le inquadrature di poche linee che quasi si astraggono dal contesto e che vengono riportate alla realtà dalla presenza della figura umana; quasi a voler ricreare un luogo non luogo che si discosta dallo scenario quotidiano e straziante della vera Beirut.

Se ne vivessi, forse perderei un po’ della mia libertà. 

E’ questa la frase che mi ha convinta a raccontarvi di lui e soprattutto a conoscerlo meglio attraverso la sua storia. Quel che gli preme sottolineare sempre è il suo non voler fare di ciò un lavoro, un sostentamento per vivere. Questo gli regala un maggiore respiro espressivo, libero da doveri di cronaca o similari.

Lo sapevi che a dimostrare la propria gratitudine si diventa il 25% più felici?
Ipotizziamo che ti stia piacendo l’articolo, cosa ti costa allora fare click sul pulsante +1? 🙂 Potresti rendermi così felice….

 

Serge Najjar - Walking on a living canvas

Serge Najjar – Walking on a living canvas

Tutto comincia con la fotocamera di uno smartphone e un account Instagram. In breve tempo l’account guadagna un notevole successo di followers, Serge viene contattato dal direttore della piattaforma per un’intervista e da una galleria per un’esposizione. Ad oggi ha partecipato a diverse esposizioni ed è rappresentato da Tanit, una galleria tedesca con una sede a Beirut.

Successivamente frequenta un corso di fotografia, sperimenta altre tecniche, si avvicina all’analogico ed impara a sviluppare e stampare autonomamente i suoi scatti. La composizione delle foto resta però tarata sul quadrato di Instagram, lo stesso col quale era partito e per il quale abbiamo ormai maturato – indipendentemente dai suoi lavori – un’inevitabile abitudine estetica.

Serge Najjar - Shadow Cascade

Serge Najjar – Shadow Cascade

 

Vuoi vedere altre sue foto? Clicca qui

 

Tutte le immagini sono copyright © di Serge Najjar

@serjios

 

 

Fonte: organiconcrete.com

artwort.com

Nikola_Olic_17

Nikola Olic, l’architettura può essere bidimensionale?

La fotografia strutturale astratta offre una gioiosa ri-immaginazione di ciò che le strutture urbane potrebbero rappresentare, sia in un vero senso fisico che in una sperimentazione personale, avvicinandosi alle città esplorate attribuendo a queste strutture uno scopo e un significato che ci rifletta, le nostre storie, la nostra storia.

Nikola Olic, Dimensionless

Nikola Olic è un fotografo di architettura con sede a Dallas, Texas, con un focus sulla rivisitazione di edifici e oggetti scultorei “senza dimensione e in modi disorientanti.” Le sue fotografie, che spesso isolano vedute di facciate di edifici, inquadrano le superfici architettoniche affinché possano apparire collassate in due dimensioni. Secondo Olic “questa labilità può essere sospesa dall’otturatore della fotocamera per una frazione di secondo.”

Ogni immagine di questa serie è accompagnata da un commento che racconta la storia dell’edificio fotografato per rafforzare il senso del luogo e le storie che li rendono unici. Queste immagini non sono solo deliziose da guardare ma ci spingono anche ad esplorare diverse prospettive e di concentrarci su piccoli dettagli nell’eterna ricerca della bellezza e ispirazione.

 

Rectangle Triangle, Nikola Olic

Rectangle Triangle, Nikola Olic

Il fotografo ci dà un sapore di architettura d’epoca – beh, almeno vintage come i grattacieli.

Dallas ha una propria serie di edifici gemelli. Non sono alla pari con i gemelli famosi – o famigerati – di New York City o gli edifici di Marina City di Chicago, ma hanno una posizione centrale nello spettro urbano delle realizzazioni architettoniche di Dallas.

La distanza tra i due edifici offre spazio per la luce e le ombre come aggiunte di qualità alla composizione e alle idee fotografiche, sorprendentemente combinate con le facciate degli edifici degli anni’50.

Hypnotic Building, Nikola Olic

Hypnotic Building, Nikola Olic

Non guardarlo direttamente! Nikola Olic ci mette in trance nella serie Structure Photography. Un raro edificio che è diagonale agli  abituali e regolari intersezioni nel centro denso di Houston.  Le sue linee ipnotiche corrispondono approssimativamente ad alcuni dei vani degli ascensori all’interno dell’edificio, che trasferiscono impiegati e avvocati dal 1981.

Ad aggiungere sensazioni mesmeriche all’edificio sono le linee intense in bianco e nero, che si concentrano su vetro e alluminio in una città nota per l’olio o il calcestruzzo.

Lo sapevi che a dimostrare la propria gratitudine si diventa il 25% più felici?
Ipotizziamo che ti stia piacendo l’articolo, cosa ti costa allora fare click sul pulsante +1? 🙂 Potresti rendermi così felice….

Building With Steps, Nikola Olic

Building With Steps, Nikola Olic

E’ il più alto edificio a Fort Worth, Texas. Questo progetto architettonico brutalista è un’aggiunta unica al paesaggio vibrante e crescente del centro, con un forte e ripetitivo schema di finestre interrotte da forti linee verticali. E’ il primo e l’ultimo edificio che si vede quando si guida attraversando questa affascinante città del Texas. Serve anche come simbolo prominente dell’attività economica e urbana nella zona del centro circostante.

 

Vuoi vedere altre sue foto? Clicca qui

 

Tutte le immagini sono copyright © di Nikola Olic

structurephotography.org

 

 

Fonte: bartlettlobby.com

blue+slice+square

Natalie Christensen, New Mexico Deconstructed

Natalie Christensen interpreta il sud-ovest per creare una meditazione sulla luce, colore e ombra

Oltre a Brooke Holm, un’altra fotografa che ci ha colpito al Phifest è Natalie Christensen. E’ una fotografa con sede a Santa Fe, nel New Mexico ed è una collaboratrice frequente di riviste online di fotografia contemporanea e fine, ha vinto diversi premi regionali e ha mostrato lavoro negli Stati Uniti e in tutto il mondo. Inaspettatamente, Natalie ha lanciato la sua carriera fotografica su Instagram e ha oltre 30.000 seguaci. Oltre a perseguire i propri interessi nell’arte e nel design, Natalie ha lavorato come psicoterapeuta da oltre 25 anni ed è stato particolarmente influenzato dal lavoro dello psicologo di profondità, Carl Jung. Questa influenza è evidenziata nelle sue fotografie, in quanto ombre e immagini archetipiche sono soggetti preferiti.

Natalie Christensen, New Mexico Deconstructed

Natalie Christensen, New Mexico Deconstructed

Ha iniziato a interessarsi alla fotografia circa due anni fa. Non era una cosa che aveva precedentemente considerato come una ricerca creativa. Ha iniziato a scattare foto con il suo iPhone ed a pubblicare gli scatti che le interessavano e alcuni di loro sono stati notati e descritti in un profilo di Instagram @simplysantafe. Promuovono Santa Fe, New Mexico, la sua nuova casa a partire da tre anni fa. Santa Fe è una città di artisti e le persone la trovano molto stimolante.

Il suo lavoro è ispirato dall’architettura comune e dai paesaggi urbani. Scatta ogni giorno e non è quasi mai senza la sua fotocamera. Trova le sue immagini nei pressi di centri commerciali, complessi di appartamenti e parchi per uffici. Smonta le scene in campi di colore, geometrie e ombre. I luoghi che frequenta per scattare le immagini non sono probabilmente quelli che la gente visualizza quando pensano alla città del New Mexico, una importante destinazione turistica con un’immagine colta.

Natalie Christensen, New Mexico Deconstructed

Natalie Christensen, New Mexico Deconstructed

“Sono attratta alla luce e le ombre, linee semplici e colore. Sono sempre stato attratto ai pittori espressionisti astratti, in particolare Mark Rothko.”

Sceglie di scattare in posizioni che possono essere considerate come poco interessanti o poco visive. Ciò è eccitante e impegnativo, per “vedere” qualcosa che si nasconde alla semplice vista. Gran parte della sua vita professionale è stata spesa come psicoterapeuta e la sua fotografia è come un’estensione di quel lavoro. Entrambi chiamano ad esplorare ciò che è nascosto dalla vista, quegli aspetti del sé o dell’ambiente da cui vogliamo allontanarci o semplicemente evitare.

“Sospetto che sia la nostra natura a ignorare ciò che è spiacevole, ma a volte riesco a intravedere il sublime in questi luoghi ordinari. Quando lo trovo, mi sembra di aver scoperto l’oro.”

Natalie Christensen, New Mexico Deconstructed

Natalie Christensen, New Mexico Deconstructed

Vuoi vedere altre sue foto? Clicca qui

Tutte le immagini sono copyright © di Natalie Christensen

nataliechristensenphoto.com

 

 

Fonte:

sonofagun.tv

 

001-paolo-pettigiani-theredlist

Paolo Pettigiani, due è il numero perfetto

Il minimalismo geometrico di Paolo Pettigiani

Paolo Pettigiani, 25 anni oltre che fotografo anche grafico, molto attento nello scoprire il lato minimal delle cose che ama fotografare da diversi punti di vista.
I suoi lavori sulle geometrie minimal di edifici colorati hanno non pochi richiami alla pittura dei neoplasticisti come Mondrian, infatti lo stesso Paolo descrive così la sua ricerca:

“Un contesto in cui le forme diventano un pretesto di esplorazione degli spazi, svincolandosi dalla sua immagine reale, per renderla emotivamente più rilevante.
La geometria, il minimalismo e la grafica sono i punti essenziali di questo mio lavoro: uniti in un’unica fotografia con l’intenzione di decontestualizzare gli edifici dal luogo circostante. In questo modo le fotografie descrivono un “non-luogo”, dematerializzato dalla sua stessa fisicità.
Da non sottovalutare poi è il cielo, la parte più importante e unico elemento che unisce tutti gli scatti. A differenza degli edifici il cielo è in continuo mutamento ed è quindi “lui” a stabilire il momento perfetto per lo scatto: i colori delle architetture, le ombre, le luci ed il contrasto visivo sono tutte parti fondamentali del mio progetto.

Geometrie #1 , Paolo Pettigiani

Geometrie #1 , Paolo Pettigiani

Creare è prerogativa dell’artista, quello del fotografo è di plasmare un’immagine, la fotografia di Paolo è senza dubbio creazione artistica. Se non sapessimo che sono fotografie diremmo che sia pittura, o disegno, o chissà che altro, ma di sicuro non è l’oggetto con cui si forma l’arte ad avere valore, di sicuro è la ricerca, la prospettiva, l’idea dell’artista nel creare l’immagine ad arte.

SHAPEGUARD / Miami Rescue Towers , Paolo Pettigiani

SHAPEGUARD / Miami Rescue Towers , Paolo Pettigiani

Una New York irreale fotografata con una lente a infrarossi è il suo nuovo progetto

Il nuovo progetto del fotografo Paolo Pettigiani, è dedicato a una New York vista attraverso una luce del tutto nuova, quella dell’infrarosso. Il fotografo e designer italiano ha infatti realizzato una serie di scatti usando una lente a infrarossi che ha trasformato la città in qualcosa di mai visto prima.

Se il cielo è diventato uno sfondo irreale e ancora più lontano ben diverso è stato il risultato del trattamento sui prati di Central Park. Qui il verde dell’erba è diventato un rosso innaturale e quasi rosa, simile a quello dei gelati alla fragola degli anni ’80 pieni di coloranti chimici.

Infrared NYC I, Paolo Pettigiani

Infrared NYC I, Paolo Pettigiani

Un’idea semplice ma efficace, che Pettigiani ha messo a punto nel giro di pochi giorni: le sue foto a infrarossi sono state infatti scattate nelle prime due settimane di permanenza a New York, dove il fotografo e designer italiano si è trasferito da Torino.

In un tempo così condizionato dai filtri e in cui la manipolazione fotografica, seppur a livello base, è diventata patrimonio di tutti, la scelta di alterare all’origine l’aspetto di una foto rappresenta una differenza significativa a livello di approccio e impostazione tecnica. Al di là di questa caratteristica, le foto di Pettigiani sono quasi rigorose: ampie porzioni di cielo e scorci di paesaggio. Immagini classiche a loro modo, in cui questi due elementi fanno tutto il gioco della composizione.

E X P O, Paolo Pettigiani

E X P O, Paolo Pettigiani

Un approccio simile a quello tenuto sempre da Pettigiani in un altro progetto, datato 2015. Dai parchi e grattacieli di New York ci spostiamo ai padiglioni temporanei della Milano dell’EXPO.

Strutture al centro dell’attenzione e degli sguardi di milioni di persone per sei mesi e ora, meno di un anno dopo, del tutto dimenticati. In quel caso nessun filtro o lente particolare, ma la volontà di incastonare con millimetrica precisione colori e forme, cercando con forza ossessiva di rimarcare il confine tra il padiglione e il cielo.

«Mi piace come nelle mie immagini gli edifici vengano decontestualizzati da tutto ciò che li circonda» ha dichiarato a riguardo «In occasione dell’Expo 2015 ho pensato di unire in un unico progetto e in unico stile architetture provenienti da ogni parte del mondo».

Se con le foto di New York Pettigiani ha ridotto tutto a due colori che si scontrano tra loro, nel progetto dedicato a EXPO ha lavorato sempre per sottrazione, ma andando in un’altra direzione: in questo caso, la regola del due prevede che rimanga solo il contatto tra forme solide e il potentissimo blu del cielo. Ondulate o spezzate, le silhouette dei padiglioni si stagliano su uno sfondo uniforme e inscalfibile nel suo essere perfettamente monocromo, senza sfumature di sorta.

E X P O, Paolo Pettigiani

E X P O, Paolo Pettigiani

Due lavori totalmente diversi tra loro, ma entrambi segnati dalla volontà di ridurre al minimo gli elementi presenti negli scatti, riducendo a una coppia ciò che è presente nel quadro: due colori o due forme, perché in un tempo in cui immagini e foto di ogni tipo ci sommergono a ogni swipe di smartphone, andare all’essenziale è uno dei pochi modi per affermare la propria cifra stilistica. E la regola del due di Paolo Pettigiani è un ottimo modo per raggiungere questo obiettivo.

 

Vuoi vedere altre sue foto? Clicca qui

 

 

Tutte le immagini sono copyright © di Paolo Pettigiani

paolopettigiani.com

 

 

 

Fonte: organiconcrete.com

elita.it

 

Sinziana-Velicescu-07-1050x1050

Sinziana Velicescu, On the Periphery

Una Los Angeles minimal

Sinziana Velicescu è una fotografa e videomaker con sede nella sua città natale, Los Angeles, in California. Il suo stile fotografico è molto ben definitivo e contraddistinto. Attraverso il suo obiettivo esplora l’intervento umano nel paesaggio urbano o naturale. Dedicando molta attenzione alla composizione, ogni suo scatto si concentra su un dettaglio cercando di far emergere la verità di ogni singolo spazio grazie ad un ordine estetico minimalista. Con la sua serie On the Periphery sta cercando di raccogliere le immagini di Los Angeles che, attraverso i suoi occhi, appare come una città astratta fatta di forme e luci.

On the periphery, Sinziana Velicescu

On the Periphery, Sinziana Velicescu

Sinziana ha iniziato la sua carriera come fotografa all'età di 18 anni. Con la fotocamera da 35 mm di sua madre, ha iniziato a vagare nei quartieri di Los Angeles - concentrandosi su muri interessanti, auto e paesaggi desolati. Sinziana ha sempre utilizzato la pellicola, che la costringe a essere selettiva per quanto riguarda il tema e la prospettiva. È ispirata a Los Angeles, le storie che racconta attraverso la sua architettura discutibile dei suoi numerosi centri commerciali, e le storie che non racconta quando diventa astratta da una fotografia.

On the periphery, Sinziana Velicescu

On the Periphery, Sinziana Velicescu

La sua ultima serie di fotografie, On the Periphery, esplora l'effetto estetico e utilitario dell'architettura in e intorno a parti di Los Angeles meno visitate dal grande pubblico. Minimalista ed ispirata all'espressionismo e alla progettazione grafica, rappresenta un approccio alla sua città natale con la ripresa di soggetti bellissimi per i colori vivaci e le linee pulite, ma sono simultaneamente prive di evidenti segni di vita e provocano una sensazione di vuoto. Il risultato è l'omaggio a "La città", combinato con un desiderio nascosto di fuggire in un altro luogo o forse un'altro tempo.

On the periphery, Sinziana Velicescu

On the Periphery, Sinziana Velicescu

"Questa serie esplora l'effetto estetico e utilitario dell'architettura nelle città e nei quartieri che attraverso. Il termine 'architettura' non dovrebbe essere limitato agli edifici in quanto contiene elementi della 'città' - come murali e qualsiasi forma astratta che influenza il modo in cui la luce cade su una certa area. Ogni elemento crea ostacoli unici nel percorso del pedone e guida il modo in cui trascorrono la propria vita in questo ambiente urbano. L'identità e il carattere di ogni città è determinata dalla giustapposizione tra i suoi cittadini e le sue strutture."

On the Periphery, Sinziana Velicescu

On the Periphery, Sinziana Velicescu

"Dal punto di vista estetico, sono attratto da scene minimaliste e forme geometriche. In generale, non cerco di creare ritratti realistici della vita. Amo il ritmo della città, ma non amo tutti gli annunci e le modifiche apportate dalla popolazione urbana in continua espansione. Il risultato è un omaggio alla "Città", tessuta forse con un desiderio nascosto di fuggire in un altro luogo o forse un'altro tempo ".

On the Periphery, Sinziana Velicescu

On the Periphery, Sinziana Velicescu

Vuoi vedere altre sue foto? Clicca qui

 

Tutte le immagini sono copyright © di Sinziana Velicescu

sinzianavelicescu.com

@casualtimetravel

 

 

Fonte: dudemag.it

vice.com

ruum.at

Was-ist-Metaphysik-2

Michele Durazzi, Was ist Metaphysik?

L’architettura filosofica di Michele Durazzi

Was ist Metaphysik? è un progetto dell’artista Michele Durazzi, una serie di lavori digitali in cui la figura umana si aggira tra paesaggi freddi e geometrici.

Was ist Metaphysik? – Michele Durazzi

Un’esplosione di bianco domina l’intera struttura architettonica intervallata occasionalmente da qualche macchia di colore. Evidenzia così la piccolezza della figura umana. Questo artista poliedrico e magnetico con base a Firenze, crea immensi spazi architettonici in cui la piccola esistenza umana viene sovrastata da forme scultoree ed essenziali che affascinano lo spettatore trasportandolo in una realtà metafisica dominata da cieli blu cobalto.

Was ist Metaphysik? – Michele Durazzi

Questi dettagli architettonici vengono riprodotti al computer e affiancati a paesaggi naturali dando vita a vere e proprie scenografie metropolitane. Le immagini 3D, non raffiguranti reali costruzioni, si concentrano su elementi geometrici. Lasciano dietro di sè un retrogusto filosofico, la serie infatti prende il nome dal celebre lavoro del filosofo tedesco Martin Heidegger.

Was ist Metaphysik? – Michele Durazzi

Concepita come “narrazione attraverso il dettaglio architettonico”, il suo lavoro esiste all’incrocio della fantasia e della fantasia, dove esistono strutture impossibili a fianco di paesaggi e scene familiari. Il “viaggio all’interno del surreale minimalismo” vede la genuinità dell’immagine esplorata attraverso un’occupazione umana che determina anche la scala e la vastità dello scenario particolare. Di conseguenza, lo spettatore è tenuto a colmare le lacune nel pensiero cognitivo, come per compensare un’area premeditata di cecità parziale.

Was ist Metaphysik? – Michele Durazzi

“Si potrebbe dire che le cose migliori nascono quando si è da soli, liberi da ogni condizionamento esterno, cioè dai trend, dalle aspettative degli altri o da quello che credi si aspettino.”

 

Vuoi vedere altre sue foto? Clicca qui

 

 

 

Tutte le immagini sono copyright © di Michele Durazzi

http://www.d-arkroom.com/

 

Fonte: blogger.centoparole.it

designboom.com

 

june kim michelle cho

Other On, l’indagine all’interno di sè

Il progetto Other On

Che cosa si ottiene quando si mescolano architettura, simmetria, minimalismo, moda, amicizia e la più perfetta tavolozza di colore? Una serie di immagini dal titolo Other On, prodotto da due fotografe di talento e amiche – June Kim e Michelle Cho.

Other On, June Kim e Michelle Cho

Other On, June Kim e Michelle Cho

Creato durante i viaggi a Los Angeles, New Mexico, e la Spagna, la serie è un insieme di oniriche, scatti pastello di donne anonime tra set naturali e urbani. La coppia dietro il progetto, ha voluto trovare il proprio modo di ricordare i luoghi visitati, sia emotivamente che creativamente.

Con un background in marketing e pubblicità, June Kim ha sede a San Francisco, mentre Michelle Cho ha sede a Londra .

Other On, June Kim e Michelle Cho

Other On, June Kim e Michelle Cho

“Da qualche parte tra sogno e realtà, sono costantemente ispirata da locations – luoghi con poesia, geometria, e una storia da raccontare”, spiega Kim.

Questo corpo di lavoro iniziato nel 2016 è un’esplorazione di identità, relatività e trova il surreale nella quotidianità. Le fotografe volevano tessere una narrazione per esplorare la molteplicità di identità all’interno di sé. La peculiarità della costruzione ricorda il modo idiosincratico del nostro cervello che filtra la realtà nei nostri sogni.

C’è un forte senso di dualità in tutte queste immagini. Anche se perfettamente composte e deliziosamente accattivanti, il senso di intrigo e dramma è ottenuto grazie ai soggetti che hanno quasi sempre il viso rivolto lontano dalla fotocamera. Alla miscela si aggiunge un’architettura piuttosto epica, come l’iconica La Muralla Roja (il muro rosso) di Ricardo Bofill, situato all’interno di La Manzanera a Calpe in Spagna.

Other On, June Kim e Michelle Cho

Other On, June Kim e Michelle Cho

I loro lavori finora sono prevalentemente fotografici, ma le due hanno in programma di espandere le loro attività ad altri mezzi come il cinema.

“Siamo costantemente costrette a creare, ispirate da tutto, dalla letteratura al cinema, e sempre informate dalle nostre esperienze.”

Other On, June Kim e Michelle Cho

Other On, June Kim e Michelle Cho

 

Vuoi vedere altre loro foto? Clicca qui

 

 

 

Tutte le immagini sono copyright © di June Kim e Michelle Cho

@junebugkim

junekimphoto.com

mkmicho.com

@mkmicho

Fonte: yellowtrace.com

ignant.com

2F7AE6D400000578-0-image-m-47_1450436498254

L’Istanbul inedita di Yener Torun

Una Istanbul meno orientale e più moderna

Yener Torun, 32 anni, a Istanbul da 14, è un architetto prestato alla fotografia che ha deciso di mostrare il volto non convenzionale del suo Paese. Più di un anno fa ha lanciato su Instagram un progetto fotografico che ha riscosso grande interesse. Il suo obiettivo è stato quello di ritrarre la metropoli turca in una veste nuova e inedita.

The Divide – Yener Torun

Yener Torun passa la maggior parte del suo tempo libero alla ricerca di architetture contemporanee dalle forme audaci e i colori accesi, nascoste e inconsuete per una città come Istanbul che siamo abituati ad ammirare (fotograficamente parlando) attraverso i suoi luoghi storici. Nelle sue foto Istanbul è uno spettacolo completamente diverso, lontano da moschee e obelischi, e rappresenta una via di fuga dalla visione orientalista della città. Un’immagine nuova della Turchia che racconta gli spazi sorti perlopiù nelle periferie. Piccoli mondi che gli stessi residenti di Istanbul stentano a credere possano appartenere alla città in cui vivono.

Waveforms – Yener Torun

“La fotografia è una sorta di rifugio. Ti fa respirare quell’aria fresca che aiuta a pensare in modo più chiaro a tutte le cose che ti succedono intorno. I colori brillanti usati in architettura hanno un impatto molto positivo su di me e credo che abbiano un effetto simile sulle persone che vedono le mie fotoQueste oasi nel deserto dei nuovi mega edifici grigi mi aiutano a pensare in modo più positivo al futuro. E almeno posso dire che questo è un ottimo antidoto personale”.

I nuovi edifici sono spesso un esempio di cattiva architettura. Yener Torun perciò ha scelto di soffermarsi su quelli dalle forme meno ricercate, combinando minimalismo e street photography.

Living In A Rainbow – Yener Torun

Non solo architetture

Ha iniziato a fotografare edifici con Instagram. Il risultato è stato molto positivo fin dall’inizio incoraggiandolo a scattare altre foto. In un primo momento scattava le immagini in bianco e nero e con il tempo ho preso spunto da altri Instagrammers e fotografi più minimali. In seguito ha iniziato a combinare street photography con il minimalismo, e ha iniziato a cercare gli edifici con facciate colorate e pareti decorate.

Nell’arco di un anno ha ottenuto molto successo e oggi più di 140mila persone lo seguono sul social network.

Le sue fotografie mescolano l’elemento umano con il colorato sfondo urbano, riuscendo a diventare uno strumento capace di esprimere il sentimento di questa meravigliosa città.

Special-Ops – Yener Torun

 “Le pareti colorate o fantasia trovo sono come tele per me, e collegando questi colori, forme ed elementi architettonici con la gente, il raccolto cornice che diventa un altro mondo che è completamente astratta dalla realtà.”

Trovare queste località e pensare a come usarli è una sfida e un esercizio mentale per Yener Torun. Si è anche recato in altre città per trovare le loro gemme. Alcune delle  immagini sono scattate in altre città come Izmir, Bursa, Mugla, Kocaeli e Ankara.

Fearless – Yener Torun

Vuoi vedere altre sue foto? Clicca qui

 

 

 

Tutte le immagini sono copyright © di Yener Torun

Intagram: @cimkedi

Fonte: designplayground.com

huffingtonpost.it

 

MHeiderich-SpektrumEins_01

L’architettura retrofuturistica di Matthias Heiderich

Una Berlino dai colori pop

Matthias Heiderich è un giovane fotografo autodidatta e musicista tedesco che ha passato la maggior parte della sua vita tra Amburgo e Berlino.

Proprio a Berlino ha realizzato gran parte dei suoi fantastici scatti, con i quali è riuscito a irrompere nel mondo della fotografia distinguendosi subito per il suo stile riconoscibile. Ha cominciato da subito con la ricerca sul territorio, l’architettura, il rigore formale e l’interpretazione personale, realizzando delle serie fotografiche estremamente coerenti per composizione e cromie.

Il suo stile è fortemente influenzato da architettura, grafica, colore e dal paesaggio urbano. Linee, modelli, colori si fondono in composizioni astratte, algide e minimaliste dai colori saturi.

Material II – Matthias Heiderich

Heiderich ha passato gli ultimi anni in giro per Berlino sulla sua bicicletta, alla ricerca di geometrie perfette, architetture particolari, ombre e colori. Le ha fotografate sia con fotocamere analogiche, su pellicole di medio formato, che con fotocamere digitali.

Per realizzare le varie serie Reflexiones e Reflexionen (Eins, Zwei, Drei) ha vagato attraverso la metropoli tedesca, nelle zone industriali e nei centri abitati. I suoi lavori seguono una linea riconoscibile e coerente.

Systems / Layers III – Matthias Heiderich

Mai fuori tema, Matthias Heiderich vaga alla ricerca di particolari architettonici da incorniciare nel cielo azzurro di Berlino. Angoli di palazzi, lampioni, dettagli dai colori pastello, ombre e geometrie perfette diventano i soggetti dei suoi scatti. Non è semplice fotografia di architetture, ma ricerca di colore e composizioni che ipnotizzano lo spettatore.

Grazie a un essenziale lavoro di post-produzione, esalta i dettagli della città, tenendo fuori il resto del contesto urbano.

Systems / Layers III – Matthias Heiderich

Nel 2008 ha iniziato a scattare foto da autodidatta. Inizialmente fotografava qualsiasi cosa trovasse interessante senza preoccuparsi molto dell’attrezzatura o della composizione. Ha sviluppato il suo personale punto di vista col tempo attraverso la pratica e osservando molti portfolio su interntet, libri, riviste e mostre.

Reflexiones – Matthias Heiderich

Specialmente la Berlino ovest è piena di architetture strane ed interessanti. Heiderich è attratto dall’architettura strana e unica, un po’ futuristica; in generale è attratto da qualsiasi cosa retrofuturistica e pseudo aliena.

. “A volte con gli edifici è come con gli incidenti stradali, è difficile distogliere lo sguardo anche se non è piacevole. Sono attratto più dai brutti edifici che da quelli belli.”

Reflexiones – Matthias Heiderich

La fotografia si unisce alla musica

Ha pubblicato un libro dal titolo “Alveare” che riunisce la sua fotografia alla musica del compositore italiano Andrea Belfi. Heiderich cattura l’architettura italiana in tutte le sue forme angolari e amplifica la spigolosità della musica di Belfi.

Alveare sembra essere la fusione della storia con la modernità in modi che mostrano come l’abbraccio di uomo di artificio, tramite architettura e musica meccanizzata, è allo stesso tempo accogliente e allo stesso tempo pericolosamente inconoscibile. La deserta fotografia di Heiderich invita lo spettatore a chiedersi se tutti sono andati via o se semplicemente mai arrivati, in primo luogo. In egual misura, la musica di Belfi è più estranea che umana, in questo contesto, con la sua miscela di tamburi dal vivo e suoni elettronici modulati – è come se Belfi stia catturando la tensione di uomo che cerca di controllare la macchina.

Guarda il video e scopri di più sul risultato di questa splendida collaborazione.

Systems / Layers II – Matthias Heiderich

 

Vuoi vedere altre sue foto? Clicca qui

 

 

Tutte le immagini sono copyright © di Matthias Heiderich

Fonte: matthias-heiderich.de

fluid-radio.co.uk

artwort.com

 

f10_matthieu_venot_yatzer_0

Matthieu Venot, architetture “grafiche”

L’architettura si fa astratta

Matthieu Venot è un fotografo francese autodidatta, le cui immagini catturano l’ambiente urbano in modo più grafico e trasformativo. Focalizzandosi sul particolare piuttosto che sull’intero, le sue fotografie astratte visti come grafiche colorate trasforma il quotidiano nell’iconico.

Inghiottito dai suoi impulsi creativi e dalla voglia di mostrare la sua città natale Brest in Bretagna, Venot, ex musicista, ha intrapreso la strada della fotografia dopo la rottura con la sua band di cui era il chitarrista. Anche se il suo genere è chiaramente architettonico, il suo scopo non è quello di promuovere il valore architettonico o il prestigio ma di imbere il tessuto urbano che lo circonda di freschezza ed esuberanza.

Prism, Untitled 08, 2015, Matthieu Venot

Prism, Untitled 08, 2015, Matthieu Venot

Per raggiungere questo obiettivo, cattura parti di costruzione fuori dal contesto, ingrandisce in dettaglio architettonico o isola certe caratteristiche edilizie.

Crea in questo modo forti composizioni geometriche che hanno una propria vita. I balconi e le scale, ad esempio, hanno sparso il loro ruolo utilitario per diventare bidimensionali mentre altri segmenti di facciata perdono la loro scala per diventare astrazioni grafiche.

Ground Loop, Untitled 01, 2015, Matthieu Venot

Ground Loop, Untitled 01, 2015, Matthieu Venot

Per Venot, uno dei prerequisiti per uscire e scattare fotografie è un clima perfetto. Esso garantisce uno sfondo pulito fornito dal cielo azzurro e colori più potenti e vibranti rafforzati dal sole lucido. Ciò consente linee ben definite, fresche forme geometriche e colori saturi.

Ain't Got No Troubles, Untitled 07, 2015, Matthieu Venot

Ain’t Got No Troubles, Untitled 07, 2015, Matthieu Venot

Ma la sua adesione al buon tempo va anche più in profondità rispetto agli aspetti grafici. Una giornata soleggiata in combinazione con i colori pastello sbiancati dal sole mostra, spezza, secondo l’artista, il suo “ottimismo personale”. Lo trasmette attraverso il suo lavoro, dove una città umida come Brest può essere vissuta come un’utopica destinazione come Miami.

Matthieu Venot

 

Vuoi vedere altre sue foto? Clicca qui

 

Tutte le foto sono copyright di © Matthieu Venot

matthieuvenot.fr

Fonte: yatzer.com

 

 

9826b60a3afdb5b42260d3935bd8cf27

Matt Crump, un mondo candyminimal

Hai bisogno di un’iniezione di colore? Noi abbiamo il rimedio. Immaginate di prendere un pisolino sotto un cielo rosa neon, o salire una vibrante albero verde. Può sembrare fantasia, ma è più una realtà grazie al fotografo Matt Crump  fantasia dai colori vivaci.

Soprannominato minimalista dai colori pastello, Matt Crump presenta la sua visione psichedelica dell’America. L’uso della firma di Matt con i colori pastello surreali, composizioni minimaliste, soggetti iconici, e umorismo non convenzionale, gli ha fatto guadagnare un posto sul TIME Magazine Instagram 50 che seleziona 50 account Instagram da seguire – uno da ogni Stato americano.

Matt Crump

Matt Crump

Matt Crump

Matt Crump

Ex art director, si rivolse alla fotografia dopo aver scoperto Instagram e sperimentato con i colori (usando una combinazione di applicazioni come TouchRetouch, VSCO e PicTapGo per produrre le sue composizioni surreali). Il suo stile, definito “candy-colored minimalism“, è stato un successo immediato, facendogli guadagnare decine di migliaia di seguaci su Instagram in pochissimo tempo. Matt attribuisce la sua ascesa all’uso caratteristico dello spazio colorato, composizioni surreali, soggetti insoliti, colori elettrici e una costante atmosfera estiva.

“Sembra di trovare un accordo con i follower. Mi dicono quanto bene li fa sentire, che i miei post quotidiani illuminano le loro giornate, che si sentono ispirati. Questa è la mia motivazione.”

Matt Crump

Matt Crump

L’artista, dopo aver riscosso un grande successo, ha deciso di creare un hashtag, permettendo ad altri aspiranti fotografi di condividere le loro fotografie in stile “candy-colored”. Ha scatenato il movimento digitale-artistico, #candyminimal, che ha ispirato migliaia di persone a creare le proprie foto colorate. Ogni giorno Matt presenta le migliori foto dei suoi fan sull’account Instagram @candyminimal. Grazie a questo, Crump è riuscito a raggiungere più di 210 mila followers.

Matt Crump

Matt Crump

 

Vuoi vedere altre sue foto? Clicca qui

 

 

tutte le immagini sono © – Copyright di Matt Crump

https://mattcrump.com/

Fonte: ossomagazine.com