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Zack Seckler, il Sudafrica da un aereo

Nel corso di sette giorni, dall’alba al tramonto, volando oltre 2.000 miglia, Zack Seckler ha portato la sua macchina fotografica, e la sua visione unica, in Sudafrica, catturando un mondo incredibile di terra, mare e vita naturale. Ogni foto è stata scattata dal sedile del passeggero di un aereo sportivo a due posti.

Le sue astratte fotografie minimaliste offrono una straordinaria prospettiva di alcune delle posizioni più remote del pianeta.

Seckler ha usato la manovrabilità del piccolo aereo al suo massimo vantaggio, istruendo il pilota a volare precisamente in località che hanno catturato il suo interesse.

Sud Africa - Zack Seckler

Sud Africa – Zack Seckler

Le opere hanno tracce di animali e ombre come elementi compositivi, catturando mandrie di fenicotteri, gazzelle e persino una tartaruga solitaria che nuota nell’acqua blu.

Dirette e complesse, magicamente precise ma astratte, le immagini richiamano spesso lo spettatore all’interazione della forma, della luce, del colore e della composizione. Essi, esattamente come il Sud Africa, stupiscono i sensi e coinvolgono l’occhio della mente.

Sud Africa - Zack Seckler

Sud Africa – Zack Seckler

Zack descrive l’esperienza e le fotografie prodotte :

“Io lo paragono ad essere sopra una tela gigante e di essere in grado di creare pennellate ”

Evitare deliberatamente l’orizzonte e spesso scattare dalla finestra dell’aereo con un angolo perpendicolare al suolo, aggiunge il disorientamento delle curiose immagini bidimensionali.

“Da elevazioni tra i 50 e i 500 piedi, il paesaggio si muove sulla linea tra le cose che sembrano molto reali e riconoscibili e  quelle che sono più astratte. Questo è quello che veramente mi attrae: la linea tra la realtà e l’astrazione”

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Sud Africa - Zack Seckler

Sud Africa – Zack Seckler

Zack Seckler è nato a Boston, e ha studiato psicologia presso la Syracuse University. In un’introduzione piuttosto divertente del suo sito web, Zack descrive il percorso che lo ha portato a scoprire il suo amore per la fotografia durante un viaggio in India. E’ stato un passaggio per scoprire più di sé stesso e della cultura attorno a lui. Viaggiando da solo con una fotocamera compatta, la sua mente si aperta al mondo visivo.

Dopo il ritorno a Syracuse, si è esibito presso la rinomata Newhouse School. Con uno stage in uno studio fotografico di Hong Kong e lavori editoriali a New York, ha sviluppato la sua visione per la produzione di immagini. Da allora un Seckler ha vinto innumerevoli premi per il suo lavoro e per la sua ultima serie è stato portato nel cielo in Sudafrica.

Sud Africa - Zack Seckler

Sud Africa – Zack Seckler

 

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Tutte le immagini sono copyright © di Zack Seckler

zackseckler.com

 

Fonte: ignant.com

artnet.com

 

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Aryton Page e i suoi 5 consigli per foto perfette con l’Iphone

Nella sua forma più pura, l’arte astratta è la rappresentazione visiva delle idee teoriche. Con pennello e tela, un artista può facilmente rappresentare tali scintille di ispirazione, ma con la fotografia è diverso. Un’immagine include quasi sempre qualcosa della scena originale. Questo è il motivo per cui Aryton Page, un instagrammer incredibilmente popolare di Honolulu, usa il mondo che lo circonda per creare immagini affascinanti con un’estetica minimalista e astratta imbevuta dei colori tipici delle caramelle. Grazie all’applicazione, ha sviluppato un interesse nel minimalismo e ha scelto questa estetica per il proprio lavoro. Il suo stile è ricco di contrasti, pop e surreali. I suoi cliché diffondono un calore tropicale e offrono una vista unica sul Hawaï, concentrati su colori e sentimenti intensi.

“Qualche anno fa sono entrato nell’estetica minimal via Instagram e ne sono stato ossessionato da allora. Mi piace sperimentare con colori e prospettive. Cerco sempre di vedere le cose quotidiane in un modo diverso e spero di convincere gli altri a fare lo stesso “

Aryton Page

Aryton Page

Le sue fotografie spesso sono caratterizzate da paesaggi e richiami architettonici. Con una sensazione innegabilmente calda, le sue immagini semplici ma robuste sono dosate in tonalità di rosa, pesca e azzurro. Evocando vibrazioni estive, i colori vivaci creano anche un senso di surrealismo.

Mette in evidenza modelli ripetitivi che sembrano continuare per sempre, creando illusioni vertiginose che catturano l’attenzione degli spettatori, trasfigurandoli. Ad esempio, nelle opere di Page, le altissime palme sono in piedi contro un cielo rosa come lo zucchero filato. O tubi concentrici accostati uno contro l’altro per offrire agli spettatori una visione a tunnel, mostrando loro un assaggio del cielo blu perfetto.

Il fotografo ci mostra scene insolite catturate dal suo obiettivo, che giocano con la prospettiva e soggetti banali che  non attirerebbero gli spettatori.

Ora non perdiamoci in chiacchiere, ecco i suoi 5 consigli.

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Aryton Page

Aryton Page

Trovare il mezzo

Come bambino nativo di un’isola, cresciuto alle Hawaii, Page è stato circondato dai colori abbaglianti del Pacifico. Ora ventisette anni, il suo lavoro è pieno di queste tinte semi-tropicali, ma egli attribuisce il suo stile più alle influenze dei suoi genitori. “Ho sempre avuto un interesse inerente la fotografia e l’arte, tanto più perché mio padre aveva sempre dipinto.”

In un primo momento, la fotografia con il telefono era solo un’altra forma di sperimentazione per Page, e le strade intorno a lui servivano come un parco giochi artistico. “L’architettura ha attirato immediatamente la mia attenzione a causa della simmetria e di molte forme che gli edifici creano, a seconda di come li guardi”.

Aryton Page

Aryton Page

Vedere diversamente

A diciotto anni, Page si trasferì a Las Vegas per un cambiare scenari. Naturalmente, c’era molta architettura, ma il suo occhio curioso si rivolse ad altri soggetti. “Ovunque ho guardato, sono rimasto sorpreso da tutta l’architettura interessante . Ma poi mi sono trovato verso il lato di una strada per scattare una foto di un albero o di cactus, e ignorando l’edificio proprio accanto ad esso.” La natura ha cominciato ad apparire più spesso nel suo lavoro, così come altri dettagli che la maggior parte dei fotografi potrebbero perdere.

Page spiega il metodo che ha ormai perfezionato. “Cerco di guardare le cose che vedo ogni giorno in un modo diverso. Scegliere un soggetto e approcciarlo da diverse angolazioni. Questo soggetto può essere un albero, un edificio, un lampione, o qualsiasi cosa che possa attirare la sua attenzione. Il tema scelto è poi incorniciato in modo da escludere le distrazioni.” La luce del sole e un cielo limpido mette tutto il fuoco sul soggetto.

Modificare, non manipolare

I colori esuberanti e le composizioni surrealiste sono il marchio di Page, ma le sue immagini sono per lo più realizzate in camera. “E ‘importante per allineare e comporre la scena in modo che richieda poca o nessuna regolazione quando si tratta di raddrizzamento e ritaglio.” E i colori? “Il mio processo di editing consiste nel modificare innanzitutto la luminosità, la saturazione, il contrasto e le evidenze; poi sperimento la regolazione dei colori e dei toni fino a trovare una combinazione che mi piace.”

Tuffati a capofitto

Il consiglio importante che Page dà ai principianti è, molto semplicemente, scattare foto a qualsiasi cosa: “Uscite e scattate fotografie di soggetti che normalmente non dovrebbero prestare molta attenzione. Puoi ottenere una reazione strana dalle persone perché stai scattando fotografie di un lampione, ma questo fa parte del territorio. Questo processo serve ad imparare che cosa funziona e cosa no.

Meno distrazioni

Su una nota tecnica, indica un importante principio della sua metodologia. “Nella tua composizione cerca di non avere cose che potrebbero ridurre qualsiasi attenzione da ciò che si desidera che le persone vedano … meno contesto fornisci, più lasci all’immaginazione gli spettatori”.

L’immaginazione, dopo tutto, è il nome del gioco.

 

Amiamo la sua visione minimalista color rosa pastello delle Hawaii. Se ti piace, dovresti dare un’occhiata alla serie ad infrarossi di Paolo Pettigiani.

 

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Tutte le immagini sono copyright © di Aryton Page

arytronvibes.com

 

Fonte: culturenlifestyle.com

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Massimo Vitali

Massimo Vitali, dietro le quinte della società contemporanea

In occasione del solstizio d’estate oggi parleremo di Massimo Vitali, noto come il “fotografo delle spiagge”.

“La spiaggia è un ottimo punto di osservazione perché in questo spazio, che per me è prima di tutto un non-luogo, la gente è tranquilla, non ha difese ed è in una situazione ideale per essere studiata. Quando siamo in spiaggia siamo più disinvolti, più fermi, ci muoviamo pochissimo, siamo più naturali e rilassati. Dalla spiaggia guardo la società da vicino”

Massimo Vitali, quello delle spiagge, in realtà ha iniziato come fotogiornalista.

Ha iniziato a fare fotografie quando era al liceo, poi dal fotogiornalismo è passato al cinema. Ad un certo punto della sua vita ha pensato di dover fare qualcosa che veramente gli interessava. Ha incominciato a fare veramente fotografia a cinquant’anni sviluppando un discorso coerente all’interno dell’arte contemporanea. Oggi è rappresentato dalle più importanti gallerie al mondo.

Piscinao de Ramos, 2012, Massimo Vitali

Piscinao de Ramos, 2012, Massimo Vitali

La spiaggia come luogo privilegiato per osservare la società, i suoi cambiamenti e le sue evoluzioni identitarie, a partire da un momento chiave della storia italiana: la “discesa in campo” di Silvio Berlusconi e la vittoria alle elezioni politiche del 1994.

Massimo Vitali, 72 anni, in 22 anni ha scattato più di duemila immagini di panorami balneari che indagano “la confusione compassionevole che riassume l’Italia, la sua gente, il suo paesaggio e il suo carattere”.

Nel 1995 inizia la sua Beach Series: l’Italia stava cambiando, la nuova società del benessere, promessa dal nuovo corso, era alle porte. In quel momento il fotografo ha un’intuizione: “Berlusconi aveva appena vinto le elezioni, ero curioso di vedere gli italiani che avevano votato per lui, e così, un giorno ho deciso di mettere la mia macchina fotografica su una spiaggia e di osservare”.

La sua prima foto è alla spiaggia libera di Marina di Pietrasanta, scattata per provare un cavalletto costruito insieme ad un amico e una macchina fotografica, una 20×25.

Marina di Pietrasanta, 1994, Massimo Vitali

Marina di Pietrasanta, 1994, Massimo Vitali

Viste panoramiche, litorali puntellati da mamme, bambini, anziani, gente di mezza età, e poi ombrelloni, costumi, teli, salvagente, tavolette da surf, scogli, rocce e sassi che occupano uno spazio di sabbia e acqua in una geometria varia di colori e movimenti sotto il tipico biancore della luce estiva. Fotografie di grande formato, paesaggi marini baciati dal sole, spesso presi da svettanti scogliere o ponteggi alti, sezionano la complessità dell’interazione umana.

“La spiaggia è una sorta di microcosmo dove si concentra tutta l’umanità. È un luogo fantastico per osservare e documentare gli individui perché qui la gente è se stessa, non si atteggia e si mescola a persone di diversa estrazione”.

Cefalù Orange Yellow Blue, 2008, Massimo Vitali

Cefalù Orange Yellow Blue, 2008, Massimo Vitali

Dietro alla banalità della vita da spiaggia Massimo Vitali indaga “il dietro le quinte della presunta normalità contemporanea”: la mercificazione del tempo libero, l’illusione di benessere, le rigidità del conformismo, le allusioni sessuali, la falsità dei cosmetici.

Non solo. La spiaggia mette a nudo e riporta al senso primordiale del legame del corpo con l’acqua.

“Il momento più simbolico è quello del bagno e dell’immersione nel mare come immagine del purgatorio e della purificazione delle anime dai peccati. La voglia di stare nell’acqua e di sentire il corpo lavato e ripulito risponde al nostro bisogno di una pulizia profonda”.

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Lençois Laguna do Peixe, 2012, Massimo Vitali

Lençois Laguna do Peixe, 2012, Massimo Vitali

Dall’Italia al mondo in cerca di spiagge

Brasile, Croazia, Portogallo, Grecia, Spagna: lo sguardo di Massimo Vitali negli anni si è allargato fino a toccare diversi continenti. “Scelgo le spiagge su Google Earth, le guardo ma spesso trovo foto di una falsità mostruosa”. Vitali si definisce un “fotografo sedentario”: “Passo due o tre ore sul posto prima di scattare, poi faccio 7 o 8 foto e me ne vado. Non mi muovo, non cerco cose speciali, mi bastano le cose più ovvie e naturali”.

Ma ciò che importa non è tanto il luogo preciso ma il dettaglio e l’immaginazione che quel posto suscita all’osservatore.

“Le mie foto non sono geograficamente rilevanti, non importa il luogo dove ho scattato. Le mie spiagge devono parlare per quello che sono e non per quello che mostrano. Non sono foto descrittive, geografiche o di paesaggio ma si collocano su un altro livello, sono più vaghe. A distanza di anni, quando guardo i soggetti delle mie foto è come se fossero diventati miei amici, soprattutto quelli in primo piano. Sono affezionato a loro come se fossero delle vecchie conoscenze che incontro ogni volta che li vedo”.

 

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Tutte le immagini sono copyright © di Massimo Vitali

massimovitali.com

Fonte: huffingtonpost.it

 

LIGHT IN PROFILE, Dunes: Landscapes Evolving, Drew Doggett

Il paesaggio in continua evoluzione di Drew Doggett

DUNES: LANDSCAPES EVOLVING

Dunes: Landscapes Evolving è una serie del fotografo americano e del regista Drew Doggett. La sua pratica è caratterizzata da una tavolozza rigorosa in bianco e nero e un buon occhio per forma e composizione. Dunes: Landscapes Evolving ha un look minimalista grazie alle incredibili dune di sabbia di Sossusvlei, Namibia e le straordinarie qualità astratte ottenute attraverso l’obiettivo di Doggett.

SANCTUARY, Dunes: Landscapes Evolving, Drew Doggett

SANCTUARY, Dunes: Landscapes Evolving, Drew Doggett

Il fotografo utilizza le strutture naturali e semplici delle dune e il loro complesso rapporto con la luce per evidenziare le forme che emergono come il tronco di una donna o una curva S delicata. Ogni volta che il vento soffia, le dune vengono riformate, e qualsiasi modello fotografato non sarà mai più visualizzato; L’unica consistenza è il trucco delle dune stesse. Senza paesaggi, persone, animali o punti di riferimento, Dunes: Landscapes Evolving è un dialogo esteticamente ricco con un luogo inospitale a quasi tutte le forme di vita. La sua unica garanzia è che si sposterà e cambierà completamente senza preavviso.

Il lavoro di Doggett è stato acquisito da collezioni pubbliche e private a livello mondiale, tra cui lo Smithsonian Museum of African Art.

HAVEN, Dunes: Landscapes Evolving, Drew Doggett

HAVEN, Dunes: Landscapes Evolving, Drew Doggett

 

MAKING OF DUNES: LANDSCAPES EVOLVING SERIES

Drew Doggett ha creato un film documentario del suo viaggio verso il deserto di Sossusvlei in Namibia per la sua ultima collezione di fotografie Dunes: Landscapes Evolving. I cortometraggi premiati da Drew Doggett sono un’estensione della sua pratica fotografica creata per dare al pubblico un’attenzione ancor più approfondita ai suoi soggetti e alle loro singolari prospettive.

Il film dà agli spettatori uno sguardo dietro le quinte del suo viaggio e offre ai suoi collezionisti un’occhiata all’interno del suo processo creativo e l’ispirazione dietro la collezione. Il filmato è accompagnato da un colonna sonora originale realizzata dal compositore Christopher Ward, multi-platinum e vincitore di Grammy, che ha prodotto registrazioni di canzoni insieme a Hans Zimmer per film come Pearl Harbor e The Lion King.

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Tutte le immagini sono copyright © di Drew Doggett

drewdoggett.com

 

Fonte: minimalissimo.com

 

brooke holm dunes

Brooke Holm, il segno dell’uomo sulla natura

Brooke Holm mostra il paesaggio umanizzato

Le foto di Brooke Holm esposte al Phifest a BASE Milano, sono state un colpo di fulmine. Il motto del Phifest è “Travelling without moving”, e le foto di Holm permettono alla mente di sognare a viaggiare in luoghi lontani quasi mai osservati da questo punto di vista.

Ecco qui sotto una delle foto presenti al famoso festival di fotografia.

Brooke Holm, New Zealand, Phifest

Brooke Holm, New Zealand

Brooke Holm è un talento incredibile. Il suo lavoro è un corpo di architettura, interni, industriali e di progettazione di prodotti, combinato con una collezione unica e incredibilmente bella della sua fotografia, che cattura il nostro incredibile pianeta. Attualmente con sede a New York, dopo aver trascorso molto tempo a Melbourne, in Australia, ha collaborato con alcuni dei principali protagonisti di design e architettura. La passione per il suo lavoro, e la chiarezza di come lo vede, è così distintivo e mai così eloquente.

In primo piano sono i progetti di Holm Salt e Sky e Arctic, entrambi intuiti e catturati, che regalano un senso di calma che  spesso non vediamo, né apprezziamo.

Arctic, Brooke Holm

Arctic, Brooke Holm

Il suo progetto Salt and Sky consiste in fotografie aeree realizzate nelle saline di Shark Bay, nell’Australia Occidentale, un sito protetto dall’UNESCO. Paesaggi formati e creati dall’intervento umano, trasformati in poesia visiva.

Guardati da una certa distanza gli scatti di questa serie possono sembrare un puro studio di colore e composizione. In realtà più li si osserva più le texture lisce, polverose e fluide diventano capaci di comunicare il leggero vento sulla superficie degli stagni, le increspature dell’acqua, l’aria polverosa.

 “centres around exploration and perspective, specifically touching on the unique bond humans form with nature”.

Brooke Holm, Salt and Sky

Brooke Holm, Salt and Sky

Holm tenta di interpretare e raccontare come le strutture create dall’uomo possono influenzare la natura, in un rapporto continuo di conflitto e coesistenza, interazione e intreccio.

I disegni creati dalle saline, i colori pastello, delicati e puri, e la capacità di Brooke di catturarne le geometrie, trasforma le immagini in vedute pittoriche e strutturali. Composizioni grafiche che sembrano mescolare naturale ed artificiale, dettaglio e vasto paesaggio.

Brooke Holm, Salt and Sky

Brooke Holm, Salt and Sky

La sua recente avventura verso la Groenlandia e l’Islanda vedrà anche alcuni nuovi lavori, che attendiamo con ansia. Quale modo migliore per raccontare i cambiamenti del nostro pianeta  e l’importanza che esso ha per noi se non con gli scatti di Brooke Holm? Aspettiamo con il fiato sospeso il suo nuovo lavoro.

 

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Tutte le immagini sono copyright © di Brooke Holm

brookeholm.com

 

 

Fonte: minimalissimo.com

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Paolo Pettigiani, due è il numero perfetto

Il minimalismo geometrico di Paolo Pettigiani

Paolo Pettigiani, 25 anni oltre che fotografo anche grafico, molto attento nello scoprire il lato minimal delle cose che ama fotografare da diversi punti di vista.
I suoi lavori sulle geometrie minimal di edifici colorati hanno non pochi richiami alla pittura dei neoplasticisti come Mondrian, infatti lo stesso Paolo descrive così la sua ricerca:

“Un contesto in cui le forme diventano un pretesto di esplorazione degli spazi, svincolandosi dalla sua immagine reale, per renderla emotivamente più rilevante.
La geometria, il minimalismo e la grafica sono i punti essenziali di questo mio lavoro: uniti in un’unica fotografia con l’intenzione di decontestualizzare gli edifici dal luogo circostante. In questo modo le fotografie descrivono un “non-luogo”, dematerializzato dalla sua stessa fisicità.
Da non sottovalutare poi è il cielo, la parte più importante e unico elemento che unisce tutti gli scatti. A differenza degli edifici il cielo è in continuo mutamento ed è quindi “lui” a stabilire il momento perfetto per lo scatto: i colori delle architetture, le ombre, le luci ed il contrasto visivo sono tutte parti fondamentali del mio progetto.

Geometrie #1 , Paolo Pettigiani

Geometrie #1 , Paolo Pettigiani

Creare è prerogativa dell’artista, quello del fotografo è di plasmare un’immagine, la fotografia di Paolo è senza dubbio creazione artistica. Se non sapessimo che sono fotografie diremmo che sia pittura, o disegno, o chissà che altro, ma di sicuro non è l’oggetto con cui si forma l’arte ad avere valore, di sicuro è la ricerca, la prospettiva, l’idea dell’artista nel creare l’immagine ad arte.

SHAPEGUARD / Miami Rescue Towers , Paolo Pettigiani

SHAPEGUARD / Miami Rescue Towers , Paolo Pettigiani

Una New York irreale fotografata con una lente a infrarossi è il suo nuovo progetto

Il nuovo progetto del fotografo Paolo Pettigiani, è dedicato a una New York vista attraverso una luce del tutto nuova, quella dell’infrarosso. Il fotografo e designer italiano ha infatti realizzato una serie di scatti usando una lente a infrarossi che ha trasformato la città in qualcosa di mai visto prima.

Se il cielo è diventato uno sfondo irreale e ancora più lontano ben diverso è stato il risultato del trattamento sui prati di Central Park. Qui il verde dell’erba è diventato un rosso innaturale e quasi rosa, simile a quello dei gelati alla fragola degli anni ’80 pieni di coloranti chimici.

Infrared NYC I, Paolo Pettigiani

Infrared NYC I, Paolo Pettigiani

Un’idea semplice ma efficace, che Pettigiani ha messo a punto nel giro di pochi giorni: le sue foto a infrarossi sono state infatti scattate nelle prime due settimane di permanenza a New York, dove il fotografo e designer italiano si è trasferito da Torino.

In un tempo così condizionato dai filtri e in cui la manipolazione fotografica, seppur a livello base, è diventata patrimonio di tutti, la scelta di alterare all’origine l’aspetto di una foto rappresenta una differenza significativa a livello di approccio e impostazione tecnica. Al di là di questa caratteristica, le foto di Pettigiani sono quasi rigorose: ampie porzioni di cielo e scorci di paesaggio. Immagini classiche a loro modo, in cui questi due elementi fanno tutto il gioco della composizione.

E X P O, Paolo Pettigiani

E X P O, Paolo Pettigiani

Un approccio simile a quello tenuto sempre da Pettigiani in un altro progetto, datato 2015. Dai parchi e grattacieli di New York ci spostiamo ai padiglioni temporanei della Milano dell’EXPO.

Strutture al centro dell’attenzione e degli sguardi di milioni di persone per sei mesi e ora, meno di un anno dopo, del tutto dimenticati. In quel caso nessun filtro o lente particolare, ma la volontà di incastonare con millimetrica precisione colori e forme, cercando con forza ossessiva di rimarcare il confine tra il padiglione e il cielo.

«Mi piace come nelle mie immagini gli edifici vengano decontestualizzati da tutto ciò che li circonda» ha dichiarato a riguardo «In occasione dell’Expo 2015 ho pensato di unire in un unico progetto e in unico stile architetture provenienti da ogni parte del mondo».

Se con le foto di New York Pettigiani ha ridotto tutto a due colori che si scontrano tra loro, nel progetto dedicato a EXPO ha lavorato sempre per sottrazione, ma andando in un’altra direzione: in questo caso, la regola del due prevede che rimanga solo il contatto tra forme solide e il potentissimo blu del cielo. Ondulate o spezzate, le silhouette dei padiglioni si stagliano su uno sfondo uniforme e inscalfibile nel suo essere perfettamente monocromo, senza sfumature di sorta.

E X P O, Paolo Pettigiani

E X P O, Paolo Pettigiani

Due lavori totalmente diversi tra loro, ma entrambi segnati dalla volontà di ridurre al minimo gli elementi presenti negli scatti, riducendo a una coppia ciò che è presente nel quadro: due colori o due forme, perché in un tempo in cui immagini e foto di ogni tipo ci sommergono a ogni swipe di smartphone, andare all’essenziale è uno dei pochi modi per affermare la propria cifra stilistica. E la regola del due di Paolo Pettigiani è un ottimo modo per raggiungere questo obiettivo.

 

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paolopettigiani.com

 

 

 

Fonte: organiconcrete.com

elita.it

 

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I paesaggi pittorici di David Burdeny

 La fotografia come "scoperta guidata" del mondo

Nato nel 1968 a Winnipeg, Manitoba, David Burdeny ha conseguito la laurea in interior design e master in architettura. All'età di 12 anni, David ha iniziato a fotografare il paesaggio della prateria e ha fatto le sue stampe in bianco e nero in una stanza oscura improvvisata che è anche servito come armadio della sua camera da letto. Ha viaggiato in luoghi come l'Antartide, l'Islanda, il Brasile, la Cina, la Francia, l'Italia e la Cambogia per perseguire il suo lavoro.

Utilizza esposizioni insolitamente lunghe per vedere ciò che i nostri occhi non possono. Passando al di là del letterale, le sue immagini sono state descritte come minacciose, sconcertanti, belle e meditative. Viaggia nel mondo per catturare bellissime fotografie a colori che vanno da intricati interni a sereni paesaggi minimalistici e marini.

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David Burdeny, Mercators Projection, Antarctica, 2007

Questa splendida foto di un iceberg che sale direttamente dal mare di Weddel sembra organizzare il mondo in quattro quadranti ordinati. Intitolata “Mercators Projection,”  la foto è della sua serie “North/South”  presa durante il viaggio in Antartide e Groenlandia.

Nel 2008 David Burdeny ha ottenuto il riconoscimento per il suo North/South, per il quale è stato selezionato Nature Photographer dell'anno durante i Pilsner Urquell International Photography Awards. Nella serie, David Burdeny esplora la natura transitoria degli ambienti polari, dando forma a iceberg galleggianti e frammentari in un mare vuoto. Nel comporre le sue fotografie, David Burdeny utilizza spesso una fotocamera con treppiede al mattino o al crepuscolo, con pellicola esposta per diversi minuti. Il tempo di esposizione prolungato sfoca la distinzione tra elementi di orizzonte, infondendo sia il cielo che l'acqua di una qualità acquosa e sommersa.

Fotografie Aeree

Le fotografie aeree sono state ampiamente diffuse grazie a Google Maps e altri servizi di imaging via satellite. Gli skyline mozzafiato ridotti a pixel, e la profondità degli oceani appiattita, creano un senso di desensibilizzazione e distacco che smentisce la maestosità dei paesaggi naturali. Tuttavia, l'artista canadese David Burdeny offre un contrappunto nella sua fotografia.

David Burdeny, "Veld 9, Noordoostpolder, Flevoland, the Netherlands," 2016

La serie Netherlands di Burdeny, le fotografie astratte a colori dei campi tulipani nei Paesi Bassi e le saline da tutto il mondo, sono osservazioni sublimi del suo apprezzamento per il dettaglio strutturale e il valore metaforico dello spazio.

David Burdery, SALT: Fields, Plottings and Extracts 2015-2016

Prendendo il cielo sopra ampie pianure salate in tutto il mondo, Burdeny compone con attenzione le fotografie delle saline . Con il disegno delle linee attraverso le piscine, i quadri sembrano familiari, ma non grazie a Google Maps. Piuttosto, esistono in un simile equilibrio e tensione simile ai dipinti astratti ed espressionisti. I letti sabbiosi aggiungono il movimento e la consistenza alle fotografie; la profondità dell'acqua dipinge una tavolozza emotiva sorprendente contro la terra sterile.

"Nel loro uso di forme amorfe, campi allungati di colore e linee verticali, frastagliate e sinuose, le immagini di Burdeny suggeriscono l'espressività pittorica di Rothko, Still, Newman, Diebenkorn e la tarda carriera Willem de Kooning,” spiega un saggio scritto sul progetto. "L'effetto è meno intenzionale di quanto non sembri: la riorganizzazione astratta del paesaggio visivo del modernismo ... permette una lettura non obiettiva di queste composizioni".

Saltern Study 03, Great Salt Lake, UT, 2015 david burdeny

Saltern Study 03, Great Salt Lake, UT, 2015

 

 

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davidburdeny.com

@david_burdeny

Fonte: news.gestalten.com

thiscolossal.com

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L’estetica sbiancata di Ante Badzim

L’inizio del suo viaggio fotografico

Ante Badzim ha avuto la sua prima macchina fotografica all’età di 10 anni. Quando è migrato con i suoi genitori in Australia dalla Croazia nel 1965, portarono pochi oggetti con loro e la macchina fotografica doveva catturare la nuova vita insieme e la famiglia che stavano progettando. E’ in questa giovane età che la fotografia è diventata una fuga e la sua vera forma di espressione.

Al Ajban, UAE, Ante Badzim

Al Ajban, UAE, Ante Badzim

Il suo approccio è quello di mostrare la vera bellezza del soggetto con l’intento di ridurre al minimo le distrazioni che lo circondano. La cosa più semplice, quando isolata, può rappresentare qualcosa di bello. Quello che prendiamo per scontato sembra spesso essere la cosa più importante. Portando l’attenzione su questi semplici elementi si può apprezzare veramente le cose più belle che ci circondano.

“Mi sono sempre sentito insoddisfatto del mio lavoro precedente e mi sarei frustrato con gli oggetti in una cornice, quasi desiderando che non fossero lì. Ora so che questo era il motivo per cui non avevo trovato il mio vero stile. Quando ho trovato un soggetto o uno spazio nudo, mi sono sentito davvero a casa. Diventando consapevole di questo, mi sono trovato creativamente.”

 

Manyana, Australia, Ante Badzim

Manyana, Australia, Ante Badzim

Kyle Thompson ha influenzato il lavoro di Ante con le sue immagini poetiche che enfatizzano l’elemento umano e il suo ambiente. Le immagini a volte possono affrontare ma sempre incarnano un senso di calma. Nan Goldin è un altro artista che, anche se l’influenza sul suo lavoro non è ovvia, crea anche lui immagini che coinvolgono ancora l’elemento umano e il suo ambiente. Entrambi hanno un modo unico di trovare bellezza a volte le cose più inaspettate.

“Posso esplorare luoghi o attrazioni che sono stati documentati da altri. Potrei esaminare solo i componenti che compongono alcune delle immagini e utilizzare questo come riferimento per sottolinearle.”

Il paesaggio svolge un ruolo importante in come e quando ha la macchina fotografica in mano; capire l’opportunità dello spazio determinerà se è ispirato a scattare.

Bondi Beach, Australia, Ante Badzim

Bondi Beach, Australia, Ante Badzim

L’estetica sbiancata

Spesso quando c’è una narrazione forte ad accompagnare un’immagine, notiamo che l’estetica bianca / sbiancata sembra essere più evidente. Il vantaggio di tali immagini può svolgere un ruolo nella valorizzazione di un messaggio quando si combinano fotografie e parole. Ante Badzim utilizza l’estetica bianca o sbiancata per condividere il sua messaggio.

Il suo profilo Instagram è coerente con la sua estetica. È importante per Ante Badzim impegnarsi con la comunità in linea con il proprio stile e il proprio messaggio, perché è quello che incoraggia lealtà e discussione. Per questo motivo si trova il suo stile minimalista predefinito più diffuso. Anche se alcune immagini non possono essere collegate direttamente e ovviamente, lavorano collettivamente con la loro enfasi sulla semplicità e lo spazio.

“Essere paziente fa parte del mio processo creativo. Posso facilmente aspettare in una posizione per ore. Non è raro avere fissato il mio obiettivo principale da 150 mm alla mia fotocamera senza altro con me. Questa configurazione mi permette di approfittare della profondità di campo e mi permette di catturare momenti e elementi specifici per isolarli dal loro ambiente. Non sono uno che compone troppo o controlla il soggetto; preferisco scattare tutto ciò che è attorno a me.”

Gili Trawangan, Indonesia, Ante Badzim

Gili Trawangan, Indonesia, Ante Badzim

Per catturare la sua estetica utilizza il sistema Olympus OM-D e PEN con un’ampia gamma di lenti zoom M.Zuiko Prime e PRO. Utilizzando apparecchiature leggere e più compatte gli rende più semplice connettersi con i dintorni e i soggetti. Scatta solo in RAW, con i principali strumenti di editing come Lightroom, Photoshop e, occasionalmente, utilizza VSCO.

Cronulla, Australia, Ante Badzim

Cronulla, Australia, Ante Badzim

 

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Fonte: antebadzim.com

 

 

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Murray Fredericks, il paesaggio si riflette

La serie Vanity di Murray Fredericks 

“La fotografia non è un documentario, non chiamo i paesaggi come tali. Si tratta di spazio, si tratta di rapporto della mente nel vuoto e di rappresentazioni visive di esso” Murray Fredericks

Vanity - Lake Eyre, WA, 2016, Murray Fredericks

Vanity – Lake Eyre, WA, 2016, Murray Fredericks

Murray Fredericks è un fotografo australiano. Ha un rapporto serio con il Lago Eyre, dove è stata prodotta la sua serie Vanity, iniziata nel 2003. Si compone di una ventina di viaggi al centro del lago, dove fotografa per settimane nel vasto e paesaggio infinito. Fredericks non è interessato a documentare le forme letterali del paesaggio. Vede il paesaggio come mezzo in sé, che può trasmettere la qualità emotiva della sua esperienza e relazione con il lago.

Vanity - Lake Eyre, WA, 2016, Murray Fredericks

Vanity – Lake Eyre, WA, 2016, Murray Fredericks

Questo progetto nasce dalla sua prima visita al lago nel 2001. Una sera si allontanò dal suo campeggio e si fermò per qualche tempo. In piedi da solo nel buio si rese conto che il confine tra il suo corpo fisico e l’ambiente sembrava ammorbidirsi e diventare meno definito. Fredericks ha sentito una forte sensazione sconosciuta di calma e, infine, una liberazione dall’ansia che sembra essere inerenti alla condizione umana. In quel momento, Fredericks sentiva una connessione a qualcosa che sembrava esistere oltre la sua mente cosciente. Il ricordo di quella esperienza rimase con Fredericks e ha definito la sua ricerca di immagini del paesaggio.

 

Vanity - Lake Eyre, WA, 2016, Murray Fredericks

Vanity – Lake Eyre, WA, 2016, Murray Fredericks

L’orizzonte ininterrotto collocato nel terzo inferiore dell’immagine è fedele all’intensa esperienza dello spazio infinito che esiste nel paesaggio. Alla luce soffusa dell’alba e del tramonto, il Lago Eyre che riflette il cielo, dà accesso a Fredericks momentaneamente a qualcos’altro; la possibilità di poter fare un passo fuori di sé, anche se solo per un istante.

Vanity - Lake Eyre, WA, 2016, Murray Fredericks

Vanity – Lake Eyre, WA, 2016, Murray Fredericks

 

Lo specchio come mezzo per andare oltre 

“Lo specchio può essere visto come emblema della nostra ossessione con noi stessi, individualmente e collettivamente. Nella serie ‘Vanity’, piuttosto che riflettere la nostra immagine, lo specchio disegna lo sguardo fuori e lontano da noi, nell’ambiente. Ci guida verso un coinvolgimento emotivo con la luce, il colore e lo spazio.”  Murray Fredericks

Vanity - Lake Eyre, WA, 2016, Murray Fredericks

Vanity – Lake Eyre, WA, 2016, Murray Fredericks

Lo specchio è il simbolo del narcisismo e vanità la sua forza trainante. Fredericks ha ritenuto che lo specchio essere utilizzato non per riflettere ‘noi’ e le nostre ossessioni insignificanti, ma per disegnare lo sguardo verso l’esterno nell’ambiente circostante e nel cosmo. Ciò è toccante data la nostra posizione come esseri umani nel nostro contesto sociale attuale. Fredericks ritiene che sia la vanità intrinseca e l’ossessione con l’individualismo che porta l’umanità a capofitto. Fredericks ha anche fatto un corto per questa serie,  Vanity. Fai clic qui per guardare.

Vanity - Lake Eyre, WA, 2016, Murray Fredericks

Vanity – Lake Eyre, WA, 2016, Murray Fredericks

 

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murrayfredericks.com.au

Fonte: artrabbit.com

 

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I sogni in bianco e nero di Hossein Zare

Metafore monocromatiche della solitudine

Hossein Zare è un fotografo (e digital artist) iraniano che non si scorda facilmente. E' stato premiato nella Top Ten del sito di photo sharing 500px nella sezione Fine Art 2012.  Realizza immagini uniche che riescono a generare un forte senso di straniamento e di incanto.

 

Passenger, Hossein Zare

Passenger, Hossein Zare

Nelle sue fotografie possiamo ammirare persone sospese tra una città e l’altra, barche sollevate da improbabili rocce, ponti che attraversano cascate impenetrabili, alberi con la loro nuvola personale.

 

Regret, Hossein Zare

Regret, Hossein Zare

In questa serie che vi proponiamo, intitolata “ Passenger “, emerge la semplicità dei soggetti ritratti unita al contrasto cromatico, bianco e nero, capace di trasmettere un glaciale senso di solitudine a di isolamento affettivo, che trasporta lo spettatore nelle lande gelide di una terra ignota e chiusa al mondo.

Riuscire a cogliere l’essenza delle sue foto richiede un profondo esercizio di interiorizzazione dell’opera stessa.
Nella maggior parte dei casi le sue fotografie sono frutto di un progetto già chiaro nella sua mente fin dall’inizio; dopo avere scattato con la sua Nikon D7000, il fotografo autodidatta elabora le immagini digitalmente con Photoshop, fino al raggiungimento del suo obiettivo.

The Dark Half, Hossein Zare

The Dark Half, Hossein Zare

Astrazioni monocromatiche per viaggi metaforici nella solitudine della vita privata dell'ansia dell'incertezza, in una dimensione spazio-temporale dilatata della distanza e della direzione, vane come gli affanni per intraprenderle, in uno visione che si nutre di assenze con il potere di palesare vuoti e pieni.

Una visione che evoca il concetto di "vacuità, o shunyata in sanscrito, elemento centrale della dottrina buddista e fonte di liberazione, che consente di vedere la natura dell'esistenza, delle cose, del se, in un abbraccio del mondo che nega l'esistenza di una realtà immutabile e indipendente.

Shadows, Hossein Zare

Shadows, Hossein Zare

 

Wrong Way, Hossein Zare

Wrong Way, Hossein Zare

 

 

 

 

 

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Le immagini sono copyright © di Hossein Zare

Fonte: hosseinzare.com

clickblog.it

 

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Hengki Koentjoro, il fascino del mistero

Il minimalismo come ponte tra corpo e spirito

La foto che potete ammirare nelle immagini è di Hengki Koentjoro, la cui passione e vocazione è quella di immortalare paesaggi minimalisti allo scopo di suggerire a chi le osserva il legame che esiste tra il mondo fisico e quello spirituale

Minim 04 - Hengki Koentjoro

Minim 04 – Hengki Koentjoro

Si innamora della fotografia all’età di 15 anni, quando la madre gli regala una Pocket Kodak per il suo compleanno.

Ha studiato fotografia presso il Brooks Institute of Photography di Santa Barbara in California. Successivamente torna in Indonesia per fondare a Giacarta una casa di produzione specializzata in documentari naturalistici. Lavora in digitale, utilizzando una Nikon D700 e una Canon 5D, avvalendosi di filtri ND e di esposizioni maggiori di 2 minuti per ottenere un effetto morbido e vellutato.

Minim 20 - Hengki Koentjoro

Minim 20 – Hengki Koentjoro

Le sue fotografie si ispirano ai lavori di Micheal Kenna e soprattutto di Ansel Adamla cui capacità di controllare la tonalità per creare stati d’animo e atmosfere lo ha affascinato sin dall’inizio.

Infatti, nelle opere di Koentjoro, tutte rigorosamente in bianco e nero, i soggetti sono permeati e avvolti dall’impalpabile e imperscrutabile eternità della natura, come nei paesaggi sconfinati, morbidi ma quasi misteriosi, in cui linee rette e curve di percorsi e orizzonti vanno ben oltre dove l’occhio riesce a spingersi, sovrastando e integrando la presenza umana.

“Credo che il bianco e nero sia più adatto al il mio tipo di fotografie. Racchiude forza e mistero. Mi dà maggiore facilità nell’esprimere le emozioni e lascia grande flessibilità nel trattamento delle immagini”. 

Noir 01 - Hengki Koentjoro

Noir 01 – Hengki Koentjoro

Koentjoro esercita la Miksang, una particolare forma di fotografia, in cui l’artista utilizza la fotocamera per esprimere le sue percezioni visive esattamente come lui li sperimenta. Tradotto dal tibetano, Miksang significa “buon occhio”, chiedendo all’osservatore di vedere il mondo in un modo nuovo, senza sovrapposizioni di senso e di valore, il piacere, avversione, o disinteresse.

La fotografia Miksang tende a riportare l’osservatore nello stato originale di contemplazione grazie all’immagine dell’artista. Portando l’attenzione della nostra mente, alla nostra consapevolezza, è possibile vedere intuizioni brillanti senza distrazioni. Se si raggiunge questo stato, l’osservatore si collega con quello che vede profondamente e intimamente.

Minim 12 - Hengki Koentjoro

Minim 12 – Hengki Koentjoro

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Tutte le immagini sono © – Copyright di Hengki Koentjoro

hengki-koentjoro.com

Fonte: ignant.com